Listen to the biography · 9 min
Glen Loates a passé sa vie à observer la nature d’une manière particulière — le genre d’observation qui exige de rester immobile assez longtemps pour que l’animal oublie votre présence, ou de passer un après-midi avec une peau d’oiseau de la collection du musée jusqu’à ce que le poids et la proportion de la créature ne soient plus quelque chose que vous regardez, mais quelque chose que vous connaissez tout simplement.
Il n’avait jamais fréquenté d’école d’art. Il n’en fréquenterait jamais.
Né à Toronto en 1945, Loates a grandi dans les ravins de Willowdale, dessinant des insectes, des oiseaux et des mammifères le long de la rivière Don. À sept ans, il réalisait ses premiers portraits d’animaux au zoo de Riverdale. À treize ans, il faisait le long trajet jusqu’au centre-ville pour se rendre au Musée Royal de l’Ontario tous les quelques mois, soulevant tiroir après tiroir de collections de spécimens sous les couvercles noirs opaques, remplissant des carnets de croquis avec les formes précises de créatures que la plupart des gens n’observent jamais de près. À treize ans déjà, il faisait ce qu’il ferait le reste de sa vie.
À onze ans, il avait conçu le logo de la jonquille de la Société canadienne du cancer — utilisé par l’organisation pendant plusieurs décennies. Mais le moment qui a défini sa direction est survenu quand il avait dix ans, et qu’un peintre canadien vétéran nommé Fred Brigden est venu parler à son école. Après la conférence, Loates l’a approché avec une pile de dessins. Brigden les a triés en deux groupes — les dessins animés de Disney d’un côté, les études de la nature de l’autre. Il a montré les dessins de la nature et a dit : « C’est là que tu devrais aller. Ce papillon — il est beau parce qu’il vient de ton expérience personnelle et de tes propres sentiments à son égard. »
Brigden est devenu le seul véritable professeur que Loates ait jamais eu. Il est décédé moins d’un an après leur rencontre. Loates a dit plus tard : « La seule façon de montrer ma gratitude est de faire ce que je fais maintenant. »
C’était un choix fait pour lui. Comme Loates l’a dit lui-même : ce n’est pas une carrière — c’est une vocation.
Glen Loates a passé sa vie à observer la nature d’une manière particulière — le genre d’observation qui exige de rester immobile assez longtemps pour que l’animal oublie votre présence, ou de passer un après-midi avec une peau d’oiseau de la collection du musée jusqu’à ce que le poids et la proportion de la créature ne soient plus quelque chose que vous regardez, mais quelque chose que vous connaissez tout simplement.
Il n’avait jamais fréquenté d’école d’art. Il n’en fréquenterait jamais.
Né à Toronto en 1945, Loates a grandi dans les ravins de Willowdale, dessinant des insectes, des oiseaux et des mammifères le long de la rivière Don. À sept ans, il réalisait ses premiers portraits d’animaux au zoo de Riverdale. À treize ans, il faisait le long trajet jusqu’au centre-ville pour se rendre au Musée Royal de l’Ontario tous les quelques mois, soulevant tiroir après tiroir de collections de spécimens sous les couvercles noirs opaques, remplissant des carnets de croquis avec les formes précises de créatures que la plupart des gens n’observent jamais de près. À treize ans déjà, il faisait ce qu’il ferait le reste de sa vie.
À onze ans, il avait conçu le logo de la jonquille de la Société canadienne du cancer — utilisé par l’organisation pendant plusieurs décennies. Mais le moment qui a défini sa direction est survenu quand il avait dix ans, et qu’un peintre canadien vétéran nommé Fred Brigden est venu parler à son école. Après la conférence, Loates l’a approché avec une pile de dessins. Brigden les a triés en deux groupes — les dessins animés de Disney d’un côté, les études de la nature de l’autre. Il a montré les dessins de la nature et a dit : « C’est là que tu devrais aller. Ce papillon — il est beau parce qu’il vient de ton expérience personnelle et de tes propres sentiments à son égard. »
Brigden est devenu le seul véritable professeur que Loates ait jamais eu. Il est décédé moins d’un an après leur rencontre. Loates a dit plus tard : « La seule façon de montrer ma gratitude est de faire ce que je fais maintenant. »
C’était un choix fait pour lui. Comme Loates l’a dit lui-même : ce n’est pas une carrière — c’est une vocation.
La précision du travail de Loates n'est pas un choix stylistique. C'est le produit d'une pratique entièrement basée sur des sources primaires. Il ne travaille pas à partir de photographies. Il réalise jusqu'à quarante-cinq croquis au crayon d'un même animal avant de le peindre. Il travaille à partir de peaux d'oiseaux et de fourrures d'animaux empruntées au Royal Ontario Museum – la même institution qu'il a visitée enfant – pour obtenir le poids et la proportion exacts de chaque créature.
Il commence chaque tableau par l'œil, en travaillant vers l'extérieur. Les arrière-plans sont peints en dernier.
La technique elle-même est entièrement de son invention – aquarelle, encre de Chine et encre de Chine blanche appliquées avec un pinceau spécialement pointu, une méthode développée au fil des années d'expérimentation pour rendre les textures précises de la fourrure, de la plume et du muscle qu'aucune approche conventionnelle n'aurait pu réaliser. Elle n'a jamais été enseignée nulle part. Il l'a développée lui-même.
En décembre 1982, Loates s'est envolé pour Washington avec son aquarelle grandeur nature d'un pygargue à tête blanche – sept mois de travail, peinte pour marquer le 200e anniversaire de la désignation de l'aigle comme symbole national de l'Amérique. Dans le Bureau ovale, accompagné de l'ambassadeur du Canada Allan Gotlieb, il l'a présentée personnellement au président
Ronald Reagan comme un cadeau du peuple canadien au peuple des États-Unis. Reagan l'a qualifiée de « représentation époustouflante du symbole de l'Amérique ». Lorsqu'il n'est pas exposé à la Maison Blanche, Le Pygargue à tête blanche est visible au Smithsonian Institution. Les originaux de Loates ont également été présentés à Son Altesse Royale le Prince Philip, duc d'Édimbourg, et au Premier ministre Pierre Elliott Trudeau.
En 1986, Loates a été invité à rejoindre l'expédition du Projet Beebe au large des côtes des Bermudes – descendant dans les submersibles Johnson Sea Link et Pisces VI à des profondeurs d'un mille et demi, devenant le premier
artiste au monde à observer et à documenter la vie océanique à cette profondeur. Organisée par le photographe de la National Geographic Society Emory Kristof, et rendue possible en partie grâce à son ami de longue date, le Dr Joseph MacInnis, médecin et scientifique marin canadien, l'expédition a ouvert un tout nouveau champ de sujets, de composition et de palette de couleurs qui continue d'influencer son travail.
Tout au long de sa carrière, Loates a travaillé aux côtés des autorités de conservation de la faune sauvage à travers le Canada, consacrant un temps soutenu à la recherche scientifique en tant que naturaliste autant qu'en tant qu'artiste.
Son travail a touché des lecteurs dans treize langues. Il a été exposé au Royal Ontario Museum, au British Museum, au Alexander Koenig Museum de Bonn, au Centre Culturel de Paris, à l'Institut de Recherche Zoologique et à la McMichael Canadian Collection. Il a paru dans GEO, Reader's Digest, Time, et des publications à travers l'Amérique du Nord et l'Europe. Trois volumes majeurs documentent sa carrière : The Art of Glen Loates (1977) – la collection la plus vendue de tout artiste canadien vivant au moment de la publication – Birds of North America (1979) et A Brush with Life (1984). La Monnaie royale canadienne reproduit son imagerie sur des pièces de collection. Il a reçu des commandes de l'Audubon Society of America, de la National Geographic Society, d'Equinox, de GEO et de l'Explorers Club. Il continue à produire des œuvres pour des collectionneurs privés et corporatifs du monde entier.
La précision du travail de Loates n'est pas un choix stylistique. C'est le produit d'une pratique entièrement basée sur des sources primaires. Il ne travaille pas à partir de photographies. Il réalise jusqu'à quarante-cinq croquis au crayon d'un même animal avant de le peindre. Il travaille à partir de peaux d'oiseaux et de fourrures d'animaux empruntées au Royal Ontario Museum – la même institution qu'il a visitée enfant – pour obtenir le poids et la proportion exacts de chaque créature.
Il commence chaque tableau par l'œil, en travaillant vers l'extérieur. Les arrière-plans sont peints en dernier.
La technique elle-même est entièrement de son invention – aquarelle, encre de Chine et encre de Chine blanche appliquées avec un pinceau spécialement pointu, une méthode développée au fil des années d'expérimentation pour rendre les textures précises de la fourrure, de la plume et du muscle qu'aucune approche conventionnelle n'aurait pu réaliser. Elle n'a jamais été enseignée nulle part. Il l'a développée lui-même.
En décembre 1982, Loates s'est envolé pour Washington avec son aquarelle grandeur nature d'un pygargue à tête blanche – sept mois de travail, peinte pour marquer le 200e anniversaire de la désignation de l'aigle comme symbole national de l'Amérique. Dans le Bureau ovale, accompagné de l'ambassadeur du Canada Allan Gotlieb, il l'a présentée personnellement au président
Ronald Reagan comme un cadeau du peuple canadien au peuple des États-Unis. Reagan l'a qualifiée de « représentation époustouflante du symbole de l'Amérique ». Lorsqu'il n'est pas exposé à la Maison Blanche, Le Pygargue à tête blanche est visible au Smithsonian Institution. Les originaux de Loates ont également été présentés à Son Altesse Royale le Prince Philip, duc d'Édimbourg, et au Premier ministre Pierre Elliott Trudeau.
En 1986, Loates a été invité à rejoindre l'expédition du Projet Beebe au large des côtes des Bermudes – descendant dans les submersibles Johnson Sea Link et Pisces VI à des profondeurs d'un mille et demi, devenant le premier
artiste au monde à observer et à documenter la vie océanique à cette profondeur. Organisée par le photographe de la National Geographic Society Emory Kristof, et rendue possible en partie grâce à son ami de longue date, le Dr Joseph MacInnis, médecin et scientifique marin canadien, l'expédition a ouvert un tout nouveau champ de sujets, de composition et de palette de couleurs qui continue d'influencer son travail.
Tout au long de sa carrière, Loates a travaillé aux côtés des autorités de conservation de la faune sauvage à travers le Canada, consacrant un temps soutenu à la recherche scientifique en tant que naturaliste autant qu'en tant qu'artiste.
Son travail a touché des lecteurs dans treize langues. Il a été exposé au Royal Ontario Museum, au British Museum, au Alexander Koenig Museum de Bonn, au Centre Culturel de Paris, à l'Institut de Recherche Zoologique et à la McMichael Canadian Collection. Il a paru dans GEO, Reader's Digest, Time, et des publications à travers l'Amérique du Nord et l'Europe. Trois volumes majeurs documentent sa carrière : The Art of Glen Loates (1977) – la collection la plus vendue de tout artiste canadien vivant au moment de la publication – Birds of North America (1979) et A Brush with Life (1984). La Monnaie royale canadienne reproduit son imagerie sur des pièces de collection. Il a reçu des commandes de l'Audubon Society of America, de la National Geographic Society, d'Equinox, de GEO et de l'Explorers Club. Il continue à produire des œuvres pour des collectionneurs privés et corporatifs du monde entier.
In 1974, Glen Loates exhibited at Sapsucker Woods, one of North America's foremost ornithological centres, where he joined such predecessors as Roger Tory Peterson and Louis Agassiz Fuertes. The Cornell staff wrote the following assessment. It has not needed updating.
In 1974, Glen Loates exhibited at Sapsucker Woods, one of North America's foremost ornithological centres, where he joined such predecessors as Roger Tory Peterson and Louis Agassiz Fuertes. The Cornell staff wrote the following assessment. It has not needed updating.
Listen to the 1974 Cornell review · 6 min
When one refers to the exquisite quality of a piece of art, the usual definition of that over-used adjective comes to mind: beautifully made or designed. Applying that descriptive term to the watercolors of Martin Glen Loates is almost a necessity in order to convey adequately the degree of appreciation that his work arouses. However, the word exquisite itself is derived from the Latin exquisite, chosen, exquisite, from the past participle of exquirere, to search out. It is this shade, then, of the word exquisite that makes the adjective singularly appropriate in a more arcane sense to Loates' work. He has searched out and chosen the subtle gradation in color, the elegant rhythm in form and line, the elusive in mood. His Ruby-throated Hummingbird, as light as the pendant columbine blossoms that attract it, is part of the aura of a summer day, and more: it imparts that clean, verdant, colorful sparkle that characterizes what a summer day is. The artist has managed to illustrate, then to evoke, then to invite, finally to captivate.
When one refers to the exquisite quality of a piece of art, the usual definition of that over-used adjective comes to mind: beautifully made or designed. Applying that descriptive term to the watercolors of Martin Glen Loates is almost a necessity in order to convey adequately the degree of appreciation that his work arouses. However, the word exquisite itself is derived from the Latin exquisite, chosen, exquisite, from the past participle of exquirere, to search out. It is this shade, then, of the word exquisite that makes the adjective singularly appropriate in a more arcane sense to Loates' work. He has searched out and chosen the subtle gradation in color, the elegant rhythm in form and line, the elusive in mood. His Ruby-throated Hummingbird, as light as the pendant columbine blossoms that attract it, is part of the aura of a summer day, and more: it imparts that clean, verdant, colorful sparkle that characterizes what a summer day is. The artist has managed to illustrate, then to evoke, then to invite, finally to captivate.
Loates' common woodchuck, perhaps the pièce de résistance of the show, took this reviewer back in time. In childhood, we lay on our stomachs in summer clover, and some cool, green, crushed-grass deliciousness about that delightfully lazy pastime flooded back, immediately, upon seeing this brown, furry fellow standing in the grass, his black front toes clasping a crisp leaf. Many visitors to the exhibit commented on the fur, rich, thick, rendered perfectly, golden brown about the shoulders, greyed out from his whiskered nose, and forming an easily recognizable whorl down the center of the abdomen. Passing a hand down that soft belly, one would enjoy those fine thistle-down patterns of fur. Art, good art, encourages the viewer to imagine tactile possibilities. (The likelihood that the woodchuck would permit such familiarity belongs to another discussion.) Some zoologists have commented that Loates' mammal paintings are among the best they have ever seen. One of the nicest things about his way with mammals, incidentally, is his shrewd ability to avoid the "cute." To do this, one must know the animal very well, paint it accurately, allowing it the dignity of its usual activities, such as standing in a patch of grass eating a leaf, rather than portraying an antic pose that is more beguiling and less characteristic.
Loates' common woodchuck, perhaps the pièce de résistance of the show, took this reviewer back in time. In childhood, we lay on our stomachs in summer clover, and some cool, green, crushed-grass deliciousness about that delightfully lazy pastime flooded back, immediately, upon seeing this brown, furry fellow standing in the grass, his black front toes clasping a crisp leaf. Many visitors to the exhibit commented on the fur, rich, thick, rendered perfectly, golden brown about the shoulders, greyed out from his whiskered nose, and forming an easily recognizable whorl down the center of the abdomen. Passing a hand down that soft belly, one would enjoy those fine thistle-down patterns of fur. Art, good art, encourages the viewer to imagine tactile possibilities. (The likelihood that the woodchuck would permit such familiarity belongs to another discussion.) Some zoologists have commented that Loates' mammal paintings are among the best they have ever seen. One of the nicest things about his way with mammals, incidentally, is his shrewd ability to avoid the "cute." To do this, one must know the animal very well, paint it accurately, allowing it the dignity of its usual activities, such as standing in a patch of grass eating a leaf, rather than portraying an antic pose that is more beguiling and less characteristic.
Loates' pencil drawing of a Ruffed Grouse shows this game bird in his most dramatic moment: his neck feathers raised in a ring about his head, his tail erect like a turkey cock's, his mien admirably commanding and threatening as he mounts his drumming log. Loates uses soft pencil well and proves that black and white can be more colorful than color. The challenge in this medium is to use shadow, light, coarseness, delicacy, and roughness in a kind of orchestration that satisfies so sensually that color would be redundant. In central New York, the Northern (Baltimore) Orioles usually arrive in early May. Glen Loates has painted a pair of these familiar birds, known for their craftsmanship in nest-building. Perched at their pendant nest in the drooping branches of a tree, the pair is caught in the midst of brisk business, nest building. Later, they will browse for their food near the ground and on lush clumps of sweet fern. The underside of the male is bright orange, changing to an ochre color just under the rump. The female wears more subdued colors, her yellowish olive upper parts not so sartorially exciting as the sharp black uppers of her mate. Melodious describes the interplay of colors and tones in this watercolor: Pale, pale green leaves twist to give us deeper green shadows. We rivet upon the vibrant orange of the male, go on to the incredible intricacy of the soft gray nest that occupies the center of the painting, read the female as a more restrained accent in her olive green and dull orange. A caterpillar, later destined to be an oriole's meal, has done a random job on the leaves of this hanging branch. These holes are carefully observed, delineated as painstakingly as the coverts on the birds' wings, and treated as important elements in the total design. The white background of the painting is put to work by the laced leaves, not by accident but by conscious manipulation of negative spaces. Good designers may become great artists; great artists are always good designers.
Loates' pencil drawing of a Ruffed Grouse shows this game bird in his most dramatic moment: his neck feathers raised in a ring about his head, his tail erect like a turkey cock's, his mien admirably commanding and threatening as he mounts his drumming log. Loates uses soft pencil well and proves that black and white can be more colorful than color. The challenge in this medium is to use shadow, light, coarseness, delicacy, and roughness in a kind of orchestration that satisfies so sensually that color would be redundant. In central New York, the Northern (Baltimore) Orioles usually arrive in early May. Glen Loates has painted a pair of these familiar birds, known for their craftsmanship in nest-building. Perched at their pendant nest in the drooping branches of a tree, the pair is caught in the midst of brisk business, nest building. Later, they will browse for their food near the ground and on lush clumps of sweet fern. The underside of the male is bright orange, changing to an ochre color just under the rump. The female wears more subdued colors, her yellowish olive upper parts not so sartorially exciting as the sharp black uppers of her mate. Melodious describes the interplay of colors and tones in this watercolor: Pale, pale green leaves twist to give us deeper green shadows. We rivet upon the vibrant orange of the male, go on to the incredible intricacy of the soft gray nest that occupies the center of the painting, read the female as a more restrained accent in her olive green and dull orange. A caterpillar, later destined to be an oriole's meal, has done a random job on the leaves of this hanging branch. These holes are carefully observed, delineated as painstakingly as the coverts on the birds' wings, and treated as important elements in the total design. The white background of the painting is put to work by the laced leaves, not by accident but by conscious manipulation of negative spaces. Good designers may become great artists; great artists are always good designers.
Without going into more detail, Loates' show includes a very small painting of a Snow Goose landing; there is a shadow in the softest shade of gray, cast by its strong neck against the straining pectoral muscles as it comes down to land, which is typical of Loates' meticulous observation and technical proficiency. The effect of the gray shadow is evanescent. It is not easy to use watercolor this way. Other subjects included in the show were a cougar, moose, raccoon, red fox, lynx, meadow vole, mourning cloak and yellow sulphur butterflies, luna moth, swamp iris, and other living things, demonstrating Glen Loates' remarkable versatility.
Without going into more detail, Loates' show includes a very small painting of a Snow Goose landing; there is a shadow in the softest shade of gray, cast by its strong neck against the straining pectoral muscles as it comes down to land, which is typical of Loates' meticulous observation and technical proficiency. The effect of the gray shadow is evanescent. It is not easy to use watercolor this way. Other subjects included in the show were a cougar, moose, raccoon, red fox, lynx, meadow vole, mourning cloak and yellow sulphur butterflies, luna moth, swamp iris, and other living things, demonstrating Glen Loates' remarkable versatility.
Le magazine Maclean's a un jour qualifié Loates de "peintre le plus austère de la nature". Les Line, alors rédacteur en chef d'Audubon Magazine — la voix la plus autoritaire en matière d'art animalier nord-américain — écrivait : "Il n'y a personne de meilleur dans cette catégorie élite que Martin Glen Loates. Le nom de Martin Glen Loates n'est pas aussi célèbre qu'il le devrait."
Et pourtant, certains critiques de l'époque trouvaient son œuvre trop précise, trop fidèle au spécimen — plus adaptée, suggéraient-ils, à un guide de terrain qu'à un mur de galerie.
Loates a abordé ce point directement dans sa propre déclaration d'artiste, et sa réponse était sans équivoque : "Les peintures animalières ne doivent pas être considérées comme de simples illustrations ou études ; elles sont plutôt de véritables créations artistiques."
Il n'était pas le seul à soutenir cet argument. Les grands maîtres de la Renaissance étaient animés par la même conviction — que pour vraiment voir une chose vivante, il faut d'abord vraiment la comprendre. Léonard a disséqué la forme humaine non pas en scientifique mais en peintre. Dürer a représenté un rhinocéros à partir d'une description écrite avec une telle fidélité que sa gravure sur bois est restée l'image européenne définitive de l'animal pendant deux siècles. La précision n'a jamais été la limitation. C'était la discipline d'où tout le reste découlait.
Ce que Loates a apporté à l'art animalier n'était pas simplement l'exactitude, mais une intégration complète de la connaissance scientifique et de la vision artistique. Comme il l'a écrit : "Le profane
devrait pouvoir regarder une bonne peinture animalière et se sentir surpris et excité, être convaincu de sa structure anatomique, et être capable d'acquérir une familiarité avec son habitat, ainsi qu'un amour pour le sujet lui-même."
Les critiques qui trouvaient son œuvre trop exacte pour être de l'art avaient tout faux. La question s'est largement réglée d'elle-même.
Le magazine Maclean's a un jour qualifié Loates de "peintre le plus austère de la nature". Les Line, alors rédacteur en chef d'Audubon Magazine — la voix la plus autoritaire en matière d'art animalier nord-américain — écrivait : "Il n'y a personne de meilleur dans cette catégorie élite que Martin Glen Loates. Le nom de Martin Glen Loates n'est pas aussi célèbre qu'il le devrait."
Et pourtant, certains critiques de l'époque trouvaient son œuvre trop précise, trop fidèle au spécimen — plus adaptée, suggéraient-ils, à un guide de terrain qu'à un mur de galerie.
Loates a abordé ce point directement dans sa propre déclaration d'artiste, et sa réponse était sans équivoque : "Les peintures animalières ne doivent pas être considérées comme de simples illustrations ou études ; elles sont plutôt de véritables créations artistiques."
Il n'était pas le seul à soutenir cet argument. Les grands maîtres de la Renaissance étaient animés par la même conviction — que pour vraiment voir une chose vivante, il faut d'abord vraiment la comprendre. Léonard a disséqué la forme humaine non pas en scientifique mais en peintre. Dürer a représenté un rhinocéros à partir d'une description écrite avec une telle fidélité que sa gravure sur bois est restée l'image européenne définitive de l'animal pendant deux siècles. La précision n'a jamais été la limitation. C'était la discipline d'où tout le reste découlait.
Ce que Loates a apporté à l'art animalier n'était pas simplement l'exactitude, mais une intégration complète de la connaissance scientifique et de la vision artistique. Comme il l'a écrit : "Le profane
devrait pouvoir regarder une bonne peinture animalière et se sentir surpris et excité, être convaincu de sa structure anatomique, et être capable d'acquérir une familiarité avec son habitat, ainsi qu'un amour pour le sujet lui-même."
Les critiques qui trouvaient son œuvre trop exacte pour être de l'art avaient tout faux. La question s'est largement réglée d'elle-même.
"If I can share with the viewer some of the enjoyment of my own experience with nature,
I feel I will have accomplished more than I could have hoped for."
~ Glen Loates R.C.A.
"If I can share with the viewer some of the enjoyment of my own experience with nature,
I feel I will have accomplished more than I could have hoped for."
~ Glen Loates R.C.A.
Glen Loates' work is represented by his son, Michael, who oversees the collection personally.
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